O Fenômeno Noir

O Fenômeno Noir

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- 14/02/2020 12:37:15

 

“Film Noir”, que em francês significa “filme negro”, foi um nome dado por críticos de cinema francês, primeiramente por Nino Frank, em 1946. Porém, o termo só se tornou comum nos círculos críticos internacionais com a publicação do livro Panorama du Film Noir Americain em 1955, de Raymond Borde e Étienne Chaumeton, que notaram uma tendência “sombria” e pessimista nos temas e na estéticas de muitos filmes de crimes e detetives americanos lançados nos cinemas franceses durante e após a Segunda Guerra Mundial, como The Maltese Falcon (1941), Murder, My Sweet (1944), Double Indemnity (1944), The Woman in the Window (1944) e Laura (1944). Uma ampla gama de filmes refletia as tensões e inseguranças resultantes daquele período e contrabalanceava o otimismo dos musicais e comédias de Hollywood.

O primeiro filme de estética Noir data de 1940 (Stranger on the Third Floor), quando se tornou proeminente no pós-guerra e durou o período clássico da “Idade de Ouro”, até 1960. O fim do fenômeno foi marcado pelo filme Touch of Evil (1958) de Orson Welles. O filme clássico Noir se desenvolveu durante e logo após a Segunda Guerra Mundial (1940 – 1950), aproveitando o ambiente pós-guerra de ansiedade, pessimismo e suspeita. Era um estilo de baixo custo, filmes americanos da lista B (segundo filme de uma exibição dupla) que capitalizou sobre os avanços na produção de filmes nos anos 20 e 30, incluindo som sincronizado, filme pancromático (preto e branco) com melhor sensibilidade à luz, equipamento de iluminação mais compacto e gravações mais baratas em locação.
 

 Film Noir, geralmente se refere a um período histórico distinto da história do cinema, uma década da produção cinematográfica após a Segunda Guerra Mundial, semelhante aos períodos do Neorrealismo Italiano ou da French New Wave. No entanto, Film Noir só foi rotulado como tal após o período clássico. Os primeiros cineastas Noir não usavam a designação cinematográfica e não estavam conscientes de que seus filmes seriam rotulados como Noir.  Muitas vezes, uma história de filme Noir era desenvolvida em torno de um personagem masculino cínico, desanimado e desiludido, sempre seguindo o estereótipo de um detetive com chapéu fedora, que encontra uma bela, mas, promíscua, amoral e sedutora femme fatale em um ambiente urbano.
 

A “dama do assassino” costumava usar suas artimanhas femininas e sua sensualidade para manipulá-lo e fazê-lo cair, geralmente após um assassinato. Depois de uma traição ou até uma traição dupla, ela era frequentemente destruída também, muitas vezes ao custo da vida do herói. As mulheres, durante o período de guerra, obtiveram maior independência e melhor poder aquisitivo e as consequências dessa nova independência foram retratadas na tela nestes filmes dos anos 40. Os tons primários do filme clássico Noir eram melancolia, alienação, frieza, desilusão, desencantamento, pessimismo, ambiguidade, corrupção moral, mal, culpa, desespero e paranoia. Esses humores eram frequentemente derivados dos enredos dos romances policiais de ficção barata.
 

Heróis (ou anti-heróis), personagens corruptos e vilões incluíam detetives ou olhos privados em conflito, policiais, gangsters, agentes do governo, um lobo solitário, sociopatas ou assassinos, bandidos, veteranos de guerra, políticos, pequenos criminosos, ou às vezes até simples homens. Esses protagonistas eram, com frequência,  moralmente ambíguos, do escuro e sombrio submundo do crime violento e da corrupção. Distintamente, eles eram cínicos, manchados, obsessivos (sexuais ou não), ameaçadores, sinistros, sardônicos, desiludidos, assustados e inseguros (geralmente os homens), lutando para sobreviver, e, no final, perdendo.

Os storylines eram muitas vezes elípticos, não lineares e tortuosos. As narrativas eram frequentemente complexas, labirínticas e complicadas, geralmente contadas com música de fundo, flashbacks, diálogos perspicazes e narração reflexiva e confessional em primeira pessoa. A amnésia sofrida pelo protagonista era um artifício comum, assim como a queda de um inocente que foi vítima da tentação ou se encontrou no meio de uma armação. Revelações sobre o herói eram feitas para explicar ou justificar a própria perspectiva cínica do herói sobre a vida.
 

Filmes Noir, em geral filmados em sombrios cinzas, negros e brancos, mostravam o lado sombrio e desumano da natureza humana através do cinismo e do amor condenado. Os filmes enfatizavam os lados brutal, doentio, niilista, obscuro, sombrio e sádico da experiência humana. Uma atmosfera opressiva de ameaça, negatividade, ansiedade, suspeita de que qualquer coisa pode dar errado, realismo sujo, futilidade, fatalismo, derrota e aprisionamento eram características estilizadas do Film Noir. Os protagonistas dos filmes Noir eram, normalmente, movidos pelo seu passado ou pela fraqueza humana para repetir erros anteriores. Os filmes Noir foram marcados visualmente por iluminação expressionista, foco profundo, profundidade de campo, desorientação de esquemas visuais, edição ou justaposição de elementos, além de sombras agourentas, circulando fumaça de cigarro, sensibilidades existenciais, composições desequilibradas ou temperamentais e ângulos de câmera distorcidos, geralmente verticais ou diagonais, em vez de horizontais. As configurações geralmente eram interiores com iluminação discreta ou de fonte única, como janelas e salas com venezianas, e aparências escuras, claustrofóbicas e sombrias. Os exteriores eram, frequentemente, cenas urbanas noturnas com sombras profundas, asfalto molhado, becos escuros, ruas escorregadias ou defeituosas, luzes de néon piscando e baixa iluminação. Os locais das histórias costumavam ser em ruas escuras, apartamentos pouco iluminados e de aluguel baixo, quartos de hotéis em grandes cidades ou armazéns abandonados.

Os temas do Noir, derivados de fontes na Europa, foram importados para Hollywood por cineastas emigrantes. O Noir estava enraizado no Expressionismo Alemão dos anos 1920 e 1930, como nos filmes de Fritz Lang: The Cabinet of Dr. Caligari (1920), Metropolis (1927), M (1931), Fury (1936) e You Only Live Once (1937).  Os filmes de alguns diretores alemães como F. W. Murnau, G. W. Pabst e Robert Wiene, eram conhecidos por seus ângulos e movimentos de câmera, iluminação variada entre claro e escuro e imagens sombrias de alto contraste, todos elementos presentes no Film Noir, nascido posteriormente. Além disso, os filmes sonoros franceses dos anos 30, como o de Pepe Le Moko (1937), do diretor Julien Duvivier, também contribuíram para o desenvolvimento do Noir.
 

O Film Noir também bebeu na fonte de enredos e temas frequentemente tomados de adaptações de obras literárias americanas, geralmente best-sellers de ficção criminal de autores como Raymond Chandler, James M. Cain, Dashiell Hammett ou Cornell Woolrich. Como resultado, os primeiros filmes Noir eram de detetives ou thrillers policiais. O Filme Noir também foi derivado das sátiras do crime, gângster e mistério da década de 1930, filmes como Little Caesar (1930), Public Enemy (1931) e Scarface (1932), mas muito diferentes em tom e caracterização. Filmes notáveis como gângster Noir, como They Drive By Night (1940), Key Largo (1948) e White Heat (1949), apresentaram elementos Noir dentro da estrutura tradicional dos gângsteres.
 

Muitos afirmam que o filme Stranger on the Third Floor (1940), dirigido por Boris Ingster, foi o primeiro filme Noir completo. O filme expressionista foi estrelado pelo ator Peter Lorre, que foi selecionado devido a sua performance assustadora no filme M. O personagem era um “estranho” sinistro e de aparência estranha e o filme conta a história sobre os pesadelos do repórter Michael Ward, cuja sala de audiências onde prestou depoimento circunstancial durante um julgamento por assassinato para ser usado para condenar o suspeito de assassinato Joe Briggs. Depois, ele foi assombrado, em uma sequência de sonho impressionante, por dúvidas de que seu testemunho chave era impreciso. Outros ainda afirmam que a obra-prima de Orson Welles, Citizen Kane (1941), também foi um pré-filme Noir precoce e influente.

O primeiro filme de detetive a usar o estilo Noir obscuro e niilista de forma definitiva foi o trabalho privado do diretor novato, John Huston, no clássico de mistério The Maltese Falcon (1941), inspirado no livro homônimo de 1929 de Dashiell Hammett. O filme ficou famoso pelo herói lacônico e descolado de Humphrey Bogart (Sam Spade) em busca de vigaristas, ávido por uma estátua incrustada de joias, e Mary Astor como a femme fatale, Ruth Wonderly, enganosa. Entre os primeiros filmes clássicos de não-detetive estavam Scarlet Street (1945), um dos mais sombrios filmes de suspense de todos os tempos, sobre um assassinato impenetrável e insuspeito de uma mulher amoral. No expressionista e politicamente subversivo Force of Evil (1948), do diretor Abraham Polonsky, estrelou John Garfield como um advogado corrupto da máfia. O tenso conto de traição do diretor britânico Carol Reed em Viena no pós-guerra, The Third Man (1949), com o memorável personagem Harry Lime (Orson Welles), terminou com um tiroteio clímax no esgoto subterrâneo da cidade.  Já o pesadelo obscuro, acelerado e definitivo D.O.A. (1949), dirigido por Rudolph Maté, conta a história do personagem Frank Bigelow (Edmond O’Brien), uma vítima das circunstâncias que anunciou na abertura: “Quero denunciar um assassinato – o meu.”

 

Os esquemas de iluminação de muitos filmes clássicos noir estão associados a contrastes claros e escuros e padrões dramáticos de sombras, um estilo conhecido como chiaroscuro (um termo adotado da pintura renascentista). As sombras das persianas ou corrimões, lançadas sobre um ator, uma parede ou um conjunto inteiro, é um visual icônico no Noir e já se tornou um clichê bem antes da era Neo-Noir. Os rostos dos personagens podem ser parcialmente ou totalmente obscurecidos pela escuridão, uma relativa raridade no cinema convencional de Hollywood. Enquanto a cinematografia em preto-e-branco é considerada por muitos como um dos atributos essenciais do noir clássico, os filmes coloridos Leave It to Heaven (1945) e Niagara (1953) são rotineiramente incluídos em filmografias Noir, enquanto Slightly Scarlet (1956) Party Girl (1958) e Vertigo (1958) são classificados como Noir por vários críticos.
 

Em uma análise da abordagem visual de Kiss Me Deadly, um exemplo tardio e autoconscientemente estilizado do clássico noir, o crítico Alain Silver descreve como as escolhas cinematográficas enfatizam os temas e o tom da história. Em uma cena, os personagens, vistos através de uma “confusão de formas angulares”, aparecem “presos em um vórtice tangível ou encerrados em uma armadilha”. Silver defende como “a luz lateral é usada para refletir a ambivalência de caráter”, enquanto imagens de personagens nas quais elas são iluminadas por baixo “obedecem a uma convenção de expressão visual que associa sombras projetadas para cima da face com o antinatural e sinistro“.

 

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